The Waterfall

James Dickson Innes
The Waterfall 1910
Watercolour and gauche on paper
28.6 x 39.4 cm
Tate Modern. London

Garry Winogrand, el fotógrafo de las calles americanas

El neoyorquino Garry Winogrand (1928-1984) es uno de los fotógrafos más importantes e influyentes del s. XX, a la altura de Walker Evans o Robert Frank. 

Retrata la cotidianeidad de la vida americana donde también queda retratado como los conflictos del país se reflejan en la sociedad, una huella sutil en ocasiones evidente en otras, que queda captado por su cámara. Las expresiones de la sociedad americana ante el enfrentamiento constante con la URSS. las guerras de Corea y Vietnam y la crisis de los misiles en Cuba conforman buena parte del desarrollo de la obra de Winogrand. Su mirada va a una sociedad con personas entusiasmandas, o perdidas, alegres, ausentes o mimetizadas con el ritmo de su entorno, ya sea NY o sea Dallas. No debemos olvidar que su vida y obra transcurre en décadas en las que Estados Unidos atraviesa el fin de la Segunda Guerra Mundial, la instauración de un nuevo orden mundial: la Guerra Fría. 

Garry Winoward nació en el Bronx, pero se trasladó al corazón de Nueva York, a Manhattan, escenario principal de sus famosas fotografías en los sesenta. Retrató, incansable, su vida urbana. Tanto por el contenido como por su estilo de sus fotografías, se convierte en una de las grandes voces de los 60 y 70. John Szarkowski, conservador del Museum of Modern Art, se refirió a él como "el fotógrafo central de su generación".

Winogrand derrocha energía y un entusiasmo en su trabajo, básicamente mira y dispara con una técnica que domina al vuelo pero que no le obsesiona. Esa manera de hacer fotografía dio lugar a imágenes impactantes, conmovedoras y muy descriptivas del siglo XX. Para Winogrand era mucho más interesante el acto de tomar fotografías que revelarlas, o exponerlas. 

Garry Winogrand fue un street photographer obsesivo. Sus fotos de uespacio y tiempo concreto, trascienden desde un escenario urbano que destila cierta artificialidad. Winogrand estaba convencido de que una fotografía no solo era incapaz de cambiar el mundo, sino incluso de explicarlo. La vida era un espectáculo que empezaba cuando el miraba.

Trabajó como fotográfo publicando en diversas revistas ilustradas de difusión general como Life, Look, Sports Ilustrated, Collier's y Pageant, pero abandonó el fotoperiodismo volcándose en una la nueva cultura fotográfica vinculada al mundo del arte. Con sus contemporáneos Diane Arbuus y Lee Friedlander compartió la exposición New Documents (1967) en el MoMA de Nueva York que supuso, de hecho,una redefinición de la fotografía documental.

Cerca del final de su vida, tenía el propósito de revisar y reeditar todas sus fotografías, pero no tuvo la oportunidad de dar forma a su legado. Dejó 6.500 carretes sin revelar (más de 250.000 fotografías), que él mismo nunca llego a ver, además de hojas de contactos de sus primeros años que marcó y nunca positivó. 

Esta es la exposición retrospectiva sobre Garry Winoward más amplia de los últimos 25 años, más de 200 fotos que permite realizar una rigurosa revisión del fotográfo, y puede verse en la sala Barbara de Braganza de la Fundación Mapfre en Madrid.

La muestra tiene tres secciones: la primera "Bajando desde el Bronx", recoge las fotografías tomadas por el artista en Nueva York desde 1950 hasta 1971; y es la más vital, la segunda sección, "Un estudiante en Norteaérica", presenta fotografías del mismo periodo pero de fuera de Nueva York. La muestra se cierra con "Auge y crisis", que cubre la producción tardía del artista, en gran parte asociada a Texas y Los Ángeles, desde 1971 hasta su muerte, se nota al final de su vida y obra que se sigue moviendo por impulso y aunque ha perdido cierta ilusión, hay aquí alguna de las fotos más geniales de la muestra.

Aproximadamente la mitad de las fotografías que se presentan en esta muestra nunca habían sido publicadas ni expuestas, y más de 80 fuero impresas específicamente para esta exposición a partir de negativos dejados por Winogrand.

“No hay nada tan misterioso como un hecho claramente descrito”, afirmaría Winogrand.

Garry Winogrand con imágenes complejas reproducen la vida como es, sin juicios morales, a veces dura e incluso cruel y otras irónica o simplemente maravillosa. Y lo hace con una fotografía natural, directa, sin manipulaciones. 

Refrescante y recomendable al 100%.

El comendador I 

Colección privada.

Dalí o el enigma sin fin

Enigma sin fin (1938) , Salvador Dalí  (Figueras, Girona, 1904-1989)
Óleo sobre lienzo. 114,5 x 146,5 cm
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Hace algunos años, me encontraba en Venecia acompañado por un grupo de alumnos. Casualidades de la vida, me encontré con una grata sorpresa. En uno de sus palacios, acaso el de Goldoni, se exhibía una magnífica muestra de los retratos en la historia del arte. La exposición era sorprendente, extraordinaria, para recordar durante muchos años.

Ya a la entrada, como aperitivo, se exhibía el famoso autorretrato de el Parmigianino. El jovencísimo Francesco Mazzola se exhibe ante un espejo cóncavo. El espectador se encuentra con una mano inmensa en primer plano y en un segundo la cara del autorretratado con aires de genio precoz. La pintura era toda una declaración de principios. El manierismo más atrevido jugaba con el experimento. Era el comienzo de un viaje acaso sin retorno en la historia del retrato.

Después los sobresaltos se sucederían de sala en sala. Conocidos y hermosos rostros manieristas. Gran exhibición de obras de Arcimboldo, siempre enigmáticas. Muestras bellísimas del barroco y el neoclacisismo. Complejas composiciones picassianas con retratos de conocidos personajes en el más puro cubismo analítico y casi cerrando el repertorio la extraña pintura de Holbein, el Joven: "Los embajadores". De una vez por todas pude entender el significado de esa especie de hueso sepia depositado en el suelo. Un espejo oblicuo al lienzo dejaba claro que aquel supuesto hueso de sepia era una calavera. La muestra de una "vanitas". Un recordatorio de la brevedad de la vida.

Y allí, en aquella suculenta muestra de arte estaba Salvador Dalí, muy bien representado con su obra "El enigma sin fin".

Como por un conjuro artilugio uno entraba en una pintura de largo recorrido. Imágenes insinuantes, preguntas continuas, acumulación de acertijos. Pero ¿qué conexión podían tener la mujer de espaldas, el pensador, el perro galgo, el rostro humano, acaso  el retrato de García Lorca, la barca varada o el bodegón con frutas? Todo aderezado con playa, mar y montaña...

Consciente, Dalí extrae del subconsciente las más sutiles ocurrencias, y dejándose llevar de los automatismos, las va depositando sobre la tela. Todo ello puede resultar muy ocurrente pero sin duda, contemplando una y otra vez tantas formas bien articuladas en tonos azulados, verdosos y ocres, pienso que el título era acertado "un enigma sin fin".

Apostados detrás de su hermana Anna miramos por la ventana abierta. Todo es Dalí, complicado, oscuro, morboso, cada una de sus pinturas es un enigma ¿Qué piensa sobre España cuando pinta la Premonición de la Guerra Civil? ¿Qué le sugiere la tentación cuando un San Antonio esperpéntico, enarbolando un Cristo, rechaza inaccesibles mujeres que cabalgan sobre cuadrúpedos imposibles? ¿Qué es de su vida sexual? ¿Por qué detiene el tiempo, en relojes de plastilina? Estas preguntas y  muchas más te las vas haciendo porque Dalí es todo un enigma sin fin.

Las largas colas que cada día esperan pacientes su turno para ver la obra de Dalí, es seguro que buscan zambullirse en el complejo mundo daliniano. Se sienten seducidos, por el eterno embrujo del pintor ampurdanés, por su permenente invitación a seguir adivinando enigmas.

Dalí. Todas las sugestiones poéticas y todas las posibilidades plásticas

Se me hace imposible acercarme a esta muestra sobre Dalí sin hacerme un croquis previamente. Dalí  "el omnívoro", dice de él el folleto explicativo de la muestra, me gusta ese calificativo, frente al tan manido "ecléptico", que le queda corto a Dalí. 

Es un personaje que me resulta antipático, es algo estomacal que no puedo evitar. Pido disculpas, soy consciente que es uno de los genios más genios del arte en el S.XX. Y sin embargo, me engancho a casi todos sus universos creados, algunas veces desde el rechazo y el prejuicio, otras desde la admiración y la entrega: es enorme su capacidad creativa y tiene el trazo del genio, sin paliativos. Un caos es Dalí para mí, espectadora omnívora tirando a ecléptica, por lo de no tener estómago en ocasiones, ya saben, lo guardo todo para Dalí. 

Me preparo bien antes de ir a la muestra que puede verse en el Museo Reina Sofía de Madrid hasta el dos de septiembre. La exposición me lo pone fácil, es cronológica. De hecho, existe un orden estricto y unos límites que va superando en cada momento. 

Un arte perturbador, genial en la forma, soberbio -en el mal sentido- en el contenido. Elementos obsesivos, metáforas de nuestro subconsciente -será el suyo, piensa mi prejuicio-; teatrero creador de un mito, su propio mito. No sé en que Dalí centrar mi atención, en el padre del surrealismo o en el que lo supera, en el crítico social o en el observador que sabe integrar y fascinarse con la ciencia. En el personaje mediático que me aburría en la tele de los 80', y que no consigo disociar en esencia de aquella Lola Flores de aquellos años en el mismo televisor "Ay cuando yo me muera, ay, ay, que será de España sin mí" o en el Dalí que llega del pueblo a la Residencia de Estudiantes, que me fascina como el resto del grupo, y al que imagino a lo Sheldon Cooper de The BIg Bang Theory. 

Me repele, pero le adoro cuando veo hasta donde fue capaz de llegar en la creación. Su obra es casi la única que puede tener puntos álgidos sin sufrir altibajos. Si hubiera tenido una vida infinita, el tío, seguiría innovando y intentando provocar ese amor / odio turbio, ese descoloque que desde luego conmigo, presa fácil, consigue al 100%.

Iré a verla con tiempo, hablaremos de la muestra más objetivamente. Ahora que puedo entrar tras esta extraña carta de amor que he acabado lanzando al artista.

La tentación de San Antonio, 1946. Óleo sobre lienzo. 89,5 x 119,5 cm. Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique.

Las torres de la Sagrada Familia

Sagrada Família. Fachada de la Pasión.

Cabizbajo, dando vueltas y más vueltas a los problemas, que cada día venden los periódicos, paseaba esta mañana por los alrededores del templo expiatorio de la Sagrada Familia. 

Hoy como ayer, seguramente como mañana, un variopinto gentío se ordenaba en varias filas esperando su turno. Hoy, como todos los días desde hace casi 100 años, grúas y obreros se esforzaban en avanzar la obra unos centímetros.

Esta mañana, como todas las mañanas, una inmensa movida de jubilados, adolescentes, papás y niños de todos los colores, describían movimientos circulares hacía las puertas de entrada en todas las direcciones. Pero casi no les he prestado atención, necesitaba levantar la vista y evadirme de tanta noticia vacía; y ahí estaban las torres, de entre 98 y 112 metros...¡y dicen que son las más pequeñas!...pugnando en armoniosos equilibrios por alcanzar los cielos. Emergían como guardianes gigantes de las entradas: el nacimiento y la pasión, que son grandiosos retablos a la consideración de todo el mundo. Helicoidales, paraboloides, hiperboloides, catenarias, que más da el adjetivo. Ellas ascienden y mientras cantan al unísono santus, santus.

Por un momento, me he sentido tan ensimismado que no hubiera podido explicar si lo que veía era arte transformado en oración o que la misma mística se había dejado moldear para crear un arte sensible, porque lo que tenía ante mis ojos era realmente magnífico. Un objeto de arte. Un espacio sagrado. Un cosmos plural pero ordenado con constelaciones de santos y continuas faculatorias que aíslan de una ciudad que se mueve en un frenesí de coches, semáforos, ruidos, gritos, prisas, desorden y caos. 

En la paz de la contemplación, en ese intento de escapar trepando por las torres más altas, me ha parecido escuchar la voz grave de su arquitecto Antoni Gaudí: "Aquí en la tierra no tienen soluciones los problemas, mirad al cielo"

Día Internacional de los Museos 2013

Museos (memoria + creatividad) = progreso social, ese es el lema con el que este 18 de mayo de 2013 se celebra el Día Internacional de los Museos. 

Está muy extendido, aquell que diu que el saber no ocupa lugar. Voy a polemizar un poco con eso, sé que se refiere a la memoria o al saber colectivo, sin embargo si es necesario preservarlo. El arte, la creatividad, la memoria y la historia se dan la mano en su necesidad de protección ante una pérdida, que curiosamente, sin ocupar lugar si requiere de lugares dónde ya no ser preservados si no además mostrados. No existe sociedad sin cultura, y la antigüedad de dibujos y textos nos demuestran que un buen poema nunca ha sido una cosa menor.

En los museos no necesariamente aprendemos, yo he visitado muchos sin sacar nada en claro, en otros he aprendido, he recordado lo he olvidado o he vaciado mi mente, porque   en ocasiones el arte sólo tiene como pretensión evadir. Hay de todo, vamos, desde científicos, a colecciones enteras de vestidos de Barbie. Todos validos.

En 1977, el Consejo Internacional de Museos (ICOM) creó el Día Internacional de los Museos para sensibilizar al público sobre el papel de los museos en el desarrollo de la sociedad.  

Además el ICOM se ha asoció con el Programa Memoria del Mundo de la UNESCO, dedicado al patrimonio documental mundial, ambos tienen como objetivo común la preservación del patrimonio en beneficio de la sociedad; en esa unión se pretende trabajar sobre las posibilidades que ofrece la digitalización para llevar a cabo su misión. Un paso más.

En todo caso, hoy los museos son gratis y abren más tiempo. Aquí el listado de museos estatales de libre acceso hoy.

¿Cual es tu favorito? ¿A cual no volverías en la vida?

Antes del diluvio. Mesopotamia 3500-2100 a.C. en CosmoCaixa (Madrid)

Faltaban aún 2.500 años para que se levantaran los primeros dólmenes y menhires en Europa, y Egipto aún no era un estado unficado gobernado por un faraón. Pero en lo que hoy es el sur de Irak, un poblado se convirtió en una gran ciudad de 40.000 habitantes. Fue posiblemente la primera ciudad de la historia: la primera gran arquitectura monumental, la primera planificación territorial. La primera escritura y quizá la primera contabildad, se originaron en Uruk (3.500 a.C.)

Con la primera ciudad, Uruk, se creó la primera red de comunicaciones, con vías, canales y postas, se desarrollaron jerarquías sociales y la división del trabajo, el capitalismo, un poder fuerte (monárquico o imperial), la escritura, el cálculo, las unidades de medida del tiempo, el espacio y el valor de los bienes, el derecho, manifestaciones culturales a través de las cuales el ser humano se fue desmarcando de la naturaleza, al mismo tiempo que la dominaba.

A través de unas cuatrocientas piezas arqueológicas, procedentes de grandes colecciones públicas internacionales, y varios documentos antiguos y contemporáneos, "Antes del diluvio. Mesopotamia, 3500-2100 a.C." explora qué le debemos a esta primera cultura del antiguo Oriente Próximo, qué imagen del mundo tuvieron los mesopotámicos del cuarto y tercer milenio a. C., que, en gran parte, nos ha sido legada a través de la Biblia, el Corán y varios mitos y textos griegos.

Ayer visité esta exposición que puede verse en Caixa Fórum Madrid hasta el 30 de junio. Una de las joyas expuestas que vale la pena -hay muchas- es el primer catastro del que se tiene conocimiento y que se deja ver en muy raras ocasiones.

La entrada es gratuita para clientes de La Caixa y a un precio reducido para el resto. Vale la pena su visita para recordar y meditar sobre que tan distintos somos, unos cinco mil quinientos años después...

Más información aquí 

Manolo Salmerón expone en Novedades (Barcelona)

Hoy se inagura en Novedades (Calle Peu de la Creu, 24 Barcelona) una exposición del pintor Manolo Salmerón. Será a partir de las 19 horas, en la tienda situada en el Raval de Barcelona. Además se podrán ver las lámparas cuadro que ha realizado Imanol Ossa y el súper héroe que Maria del Mar González Aguade (Lolitas Bcn) ha cosido a partir de unos cuadros del artista.

En la pintura de Manolo Salmerón prima la experimentación y la libertad de expresión. Su trabajo hace pensar en el movimiento de los Neue Tilden que en el Berlín de los años ochenta redescubrieron el expresionismo, pero de una forma más firme, más bruta, más loca. Salmerón bebió de las mismas fuentes, aunque está más marcado por lo mediterráneo, por Picasso, la tauromaquia y la simbología ancestral del toro. Más que pintar, esculpe sus cuadros con su particular técnica, que consiste en aplicar la pintura directamente del tubo al lienzo,- dejando un cierto juego al azar-, y después de esculpirla, rasparla, cortarla con una especie de rasqueta, no con pincel, dándole un carácter único, una textura tosca, casi tridimensional.

Ha retratado animales, a menudo animales imposibles, producto de su fantasía y de la influencia del arte románico, que tan rica huella dejó en su Cataluña natal. Así, pajaritos, monos, gatos y gallos se dan la mano con sirenas, centauros, con águilas con serpientes en el pico, hombres dragón y mujeres mariposa. Seres reales, míticos y procedentes de su propia fantasía.

También existe el diálogo con los grandes maestros de la pintura, le gusta realizar una versión personal de sus artistas favoritos. Así realizó su versión de "El caballero de la mano en el pecho" de El Greco, "El enano" de Velázquez, y varios trabajos de Picasso, al que admira por su capacidad de no dejarse encasillar y crear con libertad.

Salmerón, movido por su aparente sentido, parece encerrar una profunda inquietud creativa desarrollada con mucho agarre y fuerza. Su paleta de color puro y tosquedad formativa, hace que sus obras atraviesen nuestras pupilas no dejándonos indiferentes. Es un arte lleno de expresión y tosquedad, no exento de cierta poesía que hay que leer entre lineas para crear un mundo mágico alejado de los convencionalismos.

Os animamos a asistir ¡tiene muy buena pinta!

Chema Diéguez, ilustrador con genio

Picasso en los últimos años de su vida, en su casa de Californie, se siente libre y embadurna papeles, cartones y lienzos de colores. Se siente feliz. Preguntado sobre su obra responde: "de niño pintaba como Rafael, ahora que soy viejo pinto como los niños". Ser niño, trabajar como los niños, dar el salto a la vida guardando su encanto ¡he ahí la cuestión!

En la obra de Chema Diéguez encontramos el gran secreto picassiano: permanecer niño travieso que necesita dibujar...y guardar siempre la ilusión del primer dibujo, la risa de satisfacción al ver que otros niños de pocos años o muy mayores, lo entienden.

El logro es tal, que apenas apreciamos los esfuerzos. La obra aparece siempre precisa, sugerente y resuelta. Cuando las exigencias del guión hacen que el niño grande, el hermano mayor que es Chema Diéguez, precise usar del oficio de ilustrador, no puede dejar de lado la ternura. Nos presenta rostros ingenuos de ojos tan grandes como para devorar el mundo, párvulos agotados que comparten la cama con su osito de peluche o bebés que duermen arropados por las blandas tapas de un libro. Abre su caja de ilusiones y de su lápiz mágico comienzan a saltar al escenario tiovivos, carruseles, estallidos de fiesta, y algún gordinflón despistado que como una peonza gira sobre su propio narcisismo.

Así es Chema Diéguez, un gran dibujante, tan bueno que en cada trazo sigue manteniendo frescura y la genialidad del niño.

Podéis visitar su página web pulsando aquí: chemadieguez.tumblr.com 

Donde empezó todo... Picasso y Barcelona

Ayer, me sorprendía hablando de Picasso y descubriendo, en esa conversación, que el genio es muy conocido entre el gran público, pero para muchos sólo por su etapa cubista y poco más de su obra, quizás algo de su etapa azul. El cubismo no agrada a todo el mundo; para mí sí es genial, pero no es lo único que define la obra de Picasso, que tocó todas las teclas antes de ser el más internacional de los artistas españoles y el máximo exponente de la vanguardia artística en vida. Recomendé ayer una visita al Museo Picasso de Barcelona. Pese haber escuchado a mi padre, en incontables ocasiones, decir que "Picasso era el maestro en cualquier género de la pintura y el dibujo",  fue en una de las visitas al Museo Picasso de Barcelona cuando comprobé que así era. El genio no lo era sólo porque experimentó y aprendió. Fue de esas visitas en las que te decantas por aquello de que el genio nace y se nota en sus primeras obras y se curte con temperamento y valentía. Observar sus primeros dibujos es observar un trazo realista, que sorprenderá sin duda al que lo desconoce. En esa visita consciente -porque me habían llevado antes- al Museo Picasso me di cuenta de la grandeza de Pablo Ruiz y invito, como no, al que todavía deba descubrirlo. Y justo anoche, La 2 de RTVE emitió este documental sobre Picasso, y Barcelona y como se forjó el Museo que deseo volver a visitar.

El documental Picasso y Barcelona aporta:

• Una visión inédita del genio y de la ciudad que le vió crecer como artista
• Un recorrido por los años de Juventud de Picasso en Barcelona
• Un relato de la creación del primer museo que lleva el nombre del artista
• Sorprende que Picasso donara sus obras a una ciudad en tiempos franquistas

Picasso y Barcelona se emitió el domingo, 7 de abril en La 2 de TVE, y si te lo perdiste lo puedes ver aquí:

Imprescindibles - Picasso y Barcelona (Picasso infinito)

• Imprescindibles - Picasso y Barcelona (Picasso infinito)

Movie Star News Auction at Arader Galleries

Hemos descubierto gracias a Pilar Bernal Haya y su blog de personal shopper esta interesante exposición de fotografía en New York City. Muy recomendable para los afortunados que ronden por allí.

¡Buen "inicio" de semana!

Post completo:
Tupersonalshopperviajero: Movie Star News Auction at Arader Galleries:

Artemisia Gentileschi

 Judith Holofernes decapitación , óleo sobre lienzo, 158,8 x 125,5 cm,
 Museo Nazionale di Capodimonte, Nápoles

Artemisia Gentileschi aparece como la auténtica princesa del barroco italiano con luz propia, entre los grandes artistas del barroco: Caravaggio, Velázquez, Rembrandt, Ribera, etc.

Los comienzos de su obra vienen marcados por una trágica violación cuyo rechazo por parte de Artemisia quedará plasmado en una serie de grandes pinturas en torno a Judit y Holofernes. Judith, heroína hebrea, cortó la cabeza de Holofernes salvando a Betulia de la esclavitud.

Artemisia se identifica con esta figura bíblica repitiendo la sangrienta escena de la degollación de Holofernes. Pero no sólo es importante por el desarrollo de estos temas, si no que lo es también por una obra extensa en la que la mujer, llámese Susana o Esther, tiene un lugar destacado.

Judith Holofernes decapitación , Óleo sobre lienzo, 199 x 162 cm

Autorretrato como la Alegoría de la Pintura (Autorretrato como Pittura La)

Esto es un extracto de la conferencia que el pintor Juan José Abella dió en el marco de conferencias organizadas por el Grupo de Pintores de Sant Andreu (Barcelona), sobre Artemisia Gentileschi el pasado 21 de enero de 2013. 

Pintura Románica

Sant Climent de Taüll

En torno a los años 1.000 / 1.250 se desarrolla en el cristianismo el llamado Arte Románico del cual vamos a analizar su pintura. Podemos decir que el arte románico aflora unos 500 años después de la caída del Imperio Romano y por consiguiente tiene como antecedentes el propio arte romano y el desarrollo que se da entre los diversos países romanizados: el arte visigodo y el mozárabe en España, el otomano en Alemania, el arte irlandés e inglés, etc.

La pintura románica se caracteriza fundamentalmente por su alto contenido espiritual, la carga de símbolos e incluso de programas iconográficos. Hoy resulta muy difícil una aproximación real por el alto grado de laicización de la sociedad que ha dejado de lado el sentido de la trascendencia y lo ha remplazado por una iconografía profana y laica.

Se trata de una pintura fundamentalmente conceptual, no le interesa tanto el modelado y la expresión natural como la plasmación de su didáctica trascendente. Carece de perspectiva, al menos en el sentido de los descubrimientos del renacimiento, y la línea del horizonte y las líneas de fuga quedan reemplazadas por bandas de colores planos.

En todo caso la perspectiva usada sería una perspectiva jerárquica, es decir, las figuras más importantes son más grandes que las secundarias siempre de acuerdo con su sentido de transcendencia.

Tiene muchísima importancia el dibujo, trazos vigorosos y contundentes recortan formas planas.  Esto puede explicar el asombro de Picasso ante las pinturas de Gósol identificándolas con su misma forma de hacer pintura.

Visite en el MNAC la Colección de Arte Románico de Catalunya. Entrará como en un santuario donde las imágenes imitan a la reflexión, al silencio y a la pequeñez frente a la transcendencia divina, reflejada a lo largo de tres siglos medievales.

San Isidoro de León

Santa Cruz de Maderuelo

San Baudelio de Berlanga

"Sevilla My Love" de Marta Corcho

Si estáis en Sevilla estos días no os podéis perder la muestra de la artista digital Marta Corcho. Colorista, moderna y rompedora, con ella "las grandea divas se van de feria". Podéis ver más sobre su obra en www.martacorcho.com . A nosotros nos encanta ¿Qué os parece? Felices Fiestas

Exposición: "El museu explora. Obres d’art a examen" en el MNAC

Con este epígrafe el Museu Nacional d'Art de Catalunya abre sus puertas en Barcelona, con una exposición temporal, al conocimiento por parte del gran público y con parte de sus trabajos, al mantenimiento del patrimonio artístico que le ha sido confiado.

He de reconocer que la exposición me ha impactado. Me he dado cuenta de lo mucho que hay que aprender cada día en un museo. De los secretos inherentes y añadidos en cada obra de arte. ¡Qué poca razón tenía Marinetti y sus seguidores futuristas al convocar a sicarios de manos apestosas a gasolina a incendiar sin dejar rastro los museos por ser los representantes de un pasado anacrónico!. Y es que exposiciones como las que ofrece el MNAC muestran la vida que subyace bajo la epidermis del trabajo de un artista.

La ciencia ha puesto al servicio del arte todos sus recursos. Análisis con rayos gammas, ultravioletas, infrarrojos, rayos x, reflectología, estratigrafía, etc., permiten conocer la situación real de la obra, que puede gozar de buena salud o estar muy dañada, necesitando tratamientos terapéuticos urgentes.

Esta muestra de la investigación científica aplicada al arte nos hace sentir observadores implicados a conocer un poco más de la verdad y la mentira de muchas obras que durante muchos años hemos contemplado con devoción.

Apreciamos que métodos rudimentarios escolares eran de uso común en grandes maestros. Fortuny recurre al calco para trasladar con exactitud el boceto de su retrato y Battistuzzi no tiene inconveniente en usar una cuadrícula milimétrica para trasladar su boceto de Paisaje urbano de Barcelona al gran lienzo. La realidad virtual nos muestra que bajo la pátina sufrida de la Majestad de Batlló  se esconde una cruz de colores primarios, luminosos, casi fauvista. Del frontal de Santa María de Taüll, los análisis delatan al "falso apóstol", es decir, la figura que cubría fuera de tiempo un hueco vacío.

Resulta sorprendente y rotunda la actitud de Joan Llimona al repintar un gran lienzo ¡Quién iba a pensar que bajo el Viejo rezando el rosario en un bucólico atardecer se oculta ¡un banquete burgués!  La espalda de un crucificado guardaba con celo inestimables secretos, al desclavarlo por su restauración nos enteramos de la fecha de su consagración, 1.147 y recuperamos algunas reliquias de santos. Y es que cuando entramos en el capítulo de añadidos, retoques o suplantaciones, las sorpresas y hasta los sustos pueden ser mayúsculos.

No acabamos de entender como pudo colarse como auténtica una vulgar copia de Darío Regoyos y más cuando colocadas una al lado de la otra parece tan fácil distinguir la verdad de la mentira, el muerto del vivo.

"El Museu explora" del MNAC se presenta para todos los amantes del mundo del arte como una cita obligada, como un intento de iniciación en esta aventura de conocer, algo más del  misterio que envuelve cada obra.

“R-A-E-V-E-A-L” de Juan A. Zamarripa

Desde el pasado 5 de diciembre y hasta el 10 de febrero de 2013 podemos disfrutar de la exposición "R-A-E-V-E-A-L” del fotógrafo Juan A. Zamarripa.

La muestra reúne cinco pares de fotografías digitales en blanco y negro hechas en las calles del barrio del Raval y mezcladas digitalmente. El juego de palabras hecho con el nombre de la muestra sugiere el proceso y los resultados de las imágenes enfrentadas en pares: RAVAL; RAVEL («enmarañar»); REVEL («deleitarse»); REVEAL («revelar», o bien «dejar ver»). Los paisajes urbanos se abren o se colapsan; los detalles arquitectónicos aparecen, o desaparecen, contrastados, anulados, etc. "En todo caso, documentan mis pasos recientes, cotidianos, por el barrio, y forman parte de mi primera exposición fotográfica en Barcelona", nos cuenta el autor.

Entrada: gratuita
Lugar: Bar Candela Raval, Plaça Salvador Seguí 13, 08001 Barcelona 

¡Os lo recomendamos!

Retratos de Van Gogh

Durante varios años Van Gogh ha ocupado el centro de mis trabajos. La admiración hacia su obra y, de forma especial a sus autorretratos, se han transformado en un pretexto para largas horas de estudio y de investigación.

Y a la manera del propio maestro holandés, que durante tres intensos años (1886-1889) transcribió con fidelidad a través de su rostro tanto sus logros artísticos como su drama personal, de alguna forma, con la ilusión de bisueño admirador, he realizado más de un centenar de posibles retratos del pintor; utilizando todo  tipo de soportes, técnicas y recursos; en los que la imagen del gran maestro ha sido siempre una referencia, un pretexto. 


Galería de la Serie Van Gogh en Flickr.

Galería de la Serie Van Gogh en Facebook.

Bienvenidos al blog de Juan José Abella

Este blog se crea con la intención de difundir la obra del pintor Juan José Abella. En estas páginas virtuales esperamos compartir con vosotros varias visiones sobre la obra del autor, así como artículos sobre actualidad en el ámbito de la pintura, fotografía, cine y arte en general. Publicará de manera habitual el propio Juan José Abella manteniendo también un espacio para las colaboraciones de artistas, amigos y familiares.

Pasen y vean.